¿Qué es el PopArt?

Movimiento artístico, surgido a mediados de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura.


El término fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962, para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro de las obras.


Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida. La manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo; donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En la cultura pop también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.


Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado "¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?", Expuesto en la exposición "Esto es el mañana" en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.


Hamilton reafirmaba su deseo de que el arte fuera efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso, (cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo). En 1961 se presentaba el Arte Pop británico al público, en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.


Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto. Sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte del dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también son tomadas del dadaísmo, el uso del collage y del fotomontaje.


En América el Pop entra en escena en 1961 y se arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en todas las instancias de la industria del arte. Sin embargo la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente americano. Esto era importante en el continente, pues siempre, tanto artistas como coleccionistas, estaban de un cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de esto se produjo con la exposición titulada "El Pop Art y la tradición americana", en el Milwaukee Art Center en 1965.


Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos, en lo demás todo era opuesto. Los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas. Las obras de Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente, o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock; y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista. Los precursores del Pop americano son Jasper Johns, Robert Rauschenberg y el grupo que forman Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Weselman y Claes Oldenburg.


"La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina", decía Andy Warhol.


En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad, muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de historietas y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etc...) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención.


Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico de fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Como adjetivo de arte, pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad. El Pop Art mantiene el equilibrio entre las eufóricas perspectivas de progreso y las catastróficopesimistas de una época. Es una consigna ingeniosa, irónica y crítica, una réplica de los slogan de los medios de masas cuyas historias hacen historia, cuya estética condiciona los cuadros y la imagen de la época, y cuyos clichés "modelo" influyen en las personas. Los temas, las formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural y el estado de ánimo de la gente de los años sesenta.

Es una manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. América es centro de este programa. Por tanto se produce la americanización de la cultura de todo el mundo occidental, en especial la de Europa. El Pop Art analiza artísticamente esta situación, visualiza un sismograma de las modernas conquistas industriales y su absurdo, los límites de una sociedad de masas y medios de comunicación que estalla por los cuatro costados. El Pop Art vive de las grandes ciudades. En sus comienzos, fueron Nueva York y Londres los nuevos centros artísticos del mundo occidental, en su desarrollo durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios. Los artistas en los países comunistas de Europa del Este sólo captan destellos y vestigios.


Para entender la importancia de este cambio cultural y el impulso del arte de una nueva era, hay que aludir a algunos aspectos generales que mostrarán la multiplicidad de los cambios en el ánimo artístico, social e individual. La estabilización política y económica en la época de posguerra condujo a una revalorización de aquello que en general se suele designar como "pueblo" o "popular". Aquí se pone de manifiesto el origen de Pop Art. Los hábitos de conducta y de consumo de la sociedad de masas fueron estudiados por los sociólogos y utilizados en un sistema de marketing. Para aprovechar comercialmente los deseos de los clientes el productor no tenía ninguna estrategia general que pudiera tener éxito, salvo una acomodación a las modas y actitudes de la masa. Este acercamiento a los consumidores y compradores supuso para la demanda de productos de consumo y los programas de los medios de comunicación una reestructuración trascendental, que también repercutió en los comportamientos individuales y en las relaciones interpersonales.


Cualquiera podía adorar el mal gusto, coleccionar baratijas, leer cómic, comer salchichas, beber Coca-Cola. Los científicos -en zapatillas de deporte y cazadoras de cuero- investigaron lo trivial; que se convirtió en objeto del interés general, admitido por todas las capas sociales.

En esto se basaba esencialmente el acercamiento entre la cultura recreativa y la de alto nivel. Como era evidente, a continuación se pusieron en tela de juicio los conceptos precedentes de cultura y de arte. El arte "elitista" del subjetivo expresionismo abstracto de los años cuarenta y cincuenta se vio confrontado con una exigencia general de la cultura.


Los temas pictóricos del Pop Art estuvieron motivados por la vida diaria, reflejaron las realidades de una época y reforzaron el cambio cultural. La conducta heterodoxa y provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabús y el final de la mojigatería formaban parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria, la emancipación de la mujer, las nuevas estructuras profesionales y la liberación de la sexualidad, se desarrollaron con arreglo a esta "revolución cultural". Se acabó el jugar al escondite con los posters de chicas y las revistas dudosas (Playboy); un nuevo sistema de comunicación surgió a través de los periódicos marginales, los fan-magazine, los posters, los carteles, etc...


Resultaba aparentemente absurdo que artistas, críticos, profesores y catedráticos se rodearan de la cultura trivial; que atestaran sus casas con arte pseudo-popular y nostálgico, con reliquias, objetos de mal gusto y símbolos publicitarios; que jugaran con banalidades y se abandonaran a los cómic, la literatura de ciencia ficción, las novelas baratas y la telemanía.


La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles. Lo kitsch y los souvenirs, las imágenes de la industria de consumo, los envoltorios y las "estar y stripes" de los medios de masas, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de la investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos.


La industria del ocio prosperó con la música pop, ésta presta gran influencia a la actividad. Se reconoce que Robert Rauschemberg y Jaspers Johns en su exposición en New York en la galería Leo Castilli, son el preludio del Pop Art. La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la juventud.


Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron carátulas de discos para grupos de música pop. Los dos primeros para los Beatles y Warhol para Vevelt Underground. Los medios de masas favorecieron la internacionalización de los estilos y las formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes. La elevada participación de lo trivial en el arte y el fuerte interés del arte por lo trivial hizo que aumentara el número de aquellos que querían producir arte. Este proceso fomentó slogan divulgados de forma equivocada, como por ejemplo "El arte es vida" y "Todos somos artistas" (Beuys y Warhol). Los museos y las galerías se abrieron a lo trivial (exposiciones interdisciplinares y multimediales) y pusieron en duda sus estructuras.

El Pop Art se opone a lo abstracto mediante el realismo, a lo emocional mediante el intelectualismo y a la espontaneidad mediante una estrategia compositiva.

Las técnicas utilizadas principalmente fueron el collage y el fotomontaje. Warhol que al principio pintaba, utilizó luego la serigrafía comercial; Wesselmann utilizaba un carpintero para lograr un acabado industrial en sus construcciones. Los materiales utilizados eran desde fotos e ilustraciones recortadas de revistas, como cómic; hasta objetos de uso diario en 3D, como televisores, radios, gomas de automóvil, teléfonos, martillos, llantas de bicicletas, etc... La paleta de colores era variada, utilizaban muchos colores chillones y remarcados con filetes negros.